Breve Historia del Arte s. XX

Durante el último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, las vanguardias artísticas transformaron el mundo del arte, rompiendo con las tradiciones establecidas y buscando nuevas formas de expresión. Estos movimientos surgieron en un contexto marcado por avances tecnológicos, crisis políticas y conflictos como la Primera y la Segunda Guerra Mundial. A continuación, describimos algunos de los movimientos más destacados y sus principales autores

Impresionismo (1860 – 1900)

Aunque anteriores al 1900, debemos mencionar estos dos movimientos porque tanto el Impresionismo y, posteriormente,  el Postimpresionismo sentaron las bases de la modernidad.

• Exploraron nuevas formas de pintar la luz, el color y la emoción.
• Formas difuminadas sin contorno. Ausencia de dibujo.
• Pintura al aire libre.

Figuras como Claude Monet, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir.

Postimpresionismo (1880 – 1905)

Continuador del Impresionismo, lo lleva un punto más allá en la experimentación con la luz, el color y la forma, acercando el posterior Expresionismo.

• Libertad de expresión individual, la exploración del color (aplicación con muchos contrastes) y la forma.
• Introducción de elementos simbólicos y emocionales en las obras de arte.
• Trazos expresivos, marcados. Experimentación con la realidad.  

Autores destacados: Vincent van Gogh y Paul Cézanne, Paul Gaugin, Henri Toulouse-Lautrec

Expresionismo (1905 – 1920)

Surgió en Alemania y rápido se extendió por Francia y resto de Occidente. Es una reacción al impresionismo y al arte académico, buscando expresar las emociones y la subjetividad en lugar de la representación objetiva de la realidad. 

• Representación subjetiva y distorsionada de la realida.
• Uso audaz, arriesgado y “antinatural” de los colores.
• Deformación de las formas.
• Búsqueda de la expresión emocional por medio del arte.
• Tendencia a la abstracción y pincelada expresiva, gestual.

Autores destacados: Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edvard Munch, Oskar Kokoschka.

Fauvismo (1905-1910)

Este movimiento, liderado por Henri Matisse, se caracterizó por lo siguiente:

• El uso de colores intensos y brillantes para expresar emociones.
• Los «fauves» o «bestias salvajes» rompieron con las representaciones realistas.

Autores destacados: Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck

Cubismo (1907-1914)

Fundado por Pablo Picasso y Georges Braque.

• Fragmentación la realidad en formas geométricas, ofreciendo múltiples perspectivas de un mismo objeto. Superposición de planos, tendencia al collage.
• Perspectivas imposibles, se puede considerar uno de los estilos precursores de la abstracción.
• En relación con lo anterior, ruptura con la imitación  fiel de la realidad.
• Es considerado uno de los movimientos más influyentes.

Autores destacados: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris.

Futurismo (1909-1915)

Originado y desarrollado sobre todo en Italia, se caracteriza por la representación del movimiento, la velocidad y la energía de la vida moderna.

• El Futurismo celebró la velocidad, la tecnología y el dinamismo de la vida moderna.
• Las pinturas capturaban movimiento y energía.
• Fragmentación de formas, líneas diagonales y colores vibrantes para transmitir una sensación de dinamismo.
• Comparte rasgos con el cubismo y el arte abstracto.

Autores destacados: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Tullio Crali.

Dadaísmo (1916-1924)

Durante la Primera Guerra Mundial, el Dadaísmo surgió como una protesta contra la lógica y la razón.

• Imágenes inconexas, preludio del surrealismo
• Empleo de diferentes texturas y composiciones (collages).
• Arte como rebeldía y rechazo de las normas pictóricas y sociales.

Autores destacados: Marcel Duchamp, Francis Picabia, Jean Arp, Man Ray.

Surrealismo (1924-1945)

Inspirado por Sigmund Freud y el psicoanálisis, el Surrealismo exploró el mundo del subconsciente.

• Representación del inconsciente, sueños y fantasías:
• Imágenes extrañas y absurdas
• Uso de símbolos y metáforas
• Libertad de creación y automatismo:
• Yuxtaposición de elementos dispares

Autores destacados: Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Remedios Varo.

Pintura abstracta (1910 – 1945)

La pintura abstracta ha evolucionado a lo largo del tiempo en distintas etapas, cada una con sus propias características y artistas clave. Aquí tienes una periodización general:

• Orígenes (1900-1910): La pintura abstracta surge como una reacción contra el arte figurativo. Hilma af Klint y Vasili Kandinsky son pioneros en explorar formas y colores sin representación directa.
• Consolidación (1910-1940): Se desarrollan diversas corrientes, como el cubismo abstracto con Pablo Picasso y Georges Braque,  la abstracción lírica con Kandinsky, el futurismo abstracto con Carlo Carrá, por destacar algunos artistas.

• Diversificación: Expresionismo abstracto (1940-1970): con artistas como Jackson Pollock, quien introduce la técnica del «dripping», y Mark Rothko, con sus composiciones de color.

• Diversificación y contemporaneidad (1970-presente): La pintura abstracta se diversifica con nuevos movimientos como el expresionismo abstracto renovado con artistas como Julie Mehretu o Sarah Morris.

Rasgos generales del primer arte abstracto:

• Uso del color como emoción. Los colores tenían un impacto psicológico y podían transmitir sentimientos sin necesidad de representar objetos reales.
• Formas geométricas y dinámicas.
•  Composición intuitiva. En lugar de seguir reglas tradicionales, las pinturas buscan de  manera espontánea una armonía visual.

Autores destacados: Wassily  Kandinski, Hilma af Klint, Kazimir Malevich.

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BLOQUE I: ARTE CONTINUADOR DE LAS VANGUARDIAS ANTERIORES

Un resumen que contenga, para cada uno de los siguientes movimientos artísticos, los siguientes elementos (descripción en un máximo de 2 líneas, rasgos principales máximo 5, 4 autores destacados)

Necesito la imagen de una obra representatica de cada uno de estos autores de expresionismo abstractoJackson Pollock, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko.

Expresionismo abstracto

Movimiento pictórico nacido en EE.UU. tras la Segunda Guerra Mundial, caracterizado por la expresión emocional y la abstracción.

• Abstracción total: Se aleja de la representación figurativa para centrarse en la expresión pura de emociones y estados de ánimo.
• Espontaneidad y gestualidad: Los artistas aplicaban la pintura de manera impulsiva y dinámica, dando lugar a técnicas como el «dripping» o «action painting».
• Gran formato: Muchas de las obras son de gran tamaño, lo que refuerza su impacto visual y permite una inmersión total del espectador.
• Técnicas innovadoras: Se utilizaron nuevas técnicas y materiales, como la pintura industrial, la arena y el uso de la espátula en lugar del pincel.
• Individualismo: Cada artista desarrolló un estilo propio.

Autores destacados: Jakson Pollok, Willem de Kooning, Mark Rothko, Clyfford Still, Franz Kline.

Neoexpresionismo

Retorno a la figuración con pinceladas expresivas y colores vibrantes, en oposición al minimalismo.

• Uso expresivo del color: Paletas vibrantes y contrastadas que transmiten emociones intensas.
• Pinceladas gestuales y agresivas: Aplicación de pintura con trazos energéticos y a veces caóticos.
• Figuración distorsionada: Representación de figuras humanas y objetos de manera deformada o exagerada.
• Materiales mixtos y texturas: Inclusión de materiales no convencionales como arena, madera o collage.
• Temas crudos y personales: Exploración de la historia, la identidad, la violencia y el subconsciente.

Autores destacados: Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Francesco Clemente, Julian Schnabel.

Minimalismo y Neominimalismo

Movimiento que busca la reducción a lo esencial, con formas geométricas y materiales industriales.

Minimalismo: Se desarrolla principalmente entre los años 1960 y 1970, con una fuerte presencia en Estados Unidos.

Neominimalismo: Surge en los años 1990 y sigue evolucionando en la actualidad, integrando nuevas tendencias y tecnologías.

Rasgos Minimalismo y Neominimalismo:

• Simplicidad y reducción: Se eliminan elementos innecesarios, privilegiando la claridad y la pureza visual.
• Geometría y estructuras básicas: Uso de líneas rectas, formas geométricas y composiciones ordenadas.
• Materiales industriales y tecnología: En el minimalismo se utilizan materiales como acero, cristal y cemento; en el neominimalismo, se incorporan elementos digitales e interactivos.
• Ausencia de narrativa evidente: En el minimalismo, la obra no busca representar una historia o emoción; en el neominimalismo, aunque aún se mantiene la austeridad, puede haber una mayor carga conceptual.
• Interacción con el espacio: Muchas obras, especialmente en la escultura y la arquitectura, están diseñadas para integrarse con el entorno.

Autores: (Minimalismo) Donald Judd, Sol LeWitt, Frank Stella, Peter Halley | (Neominimalismo) Felix Gonzalez-Torres, Rachel Whiteread, Richard Serra, Ellsworth Kelly

Grafiti y Street Art

Expresión artística urbana que utiliza muros y espacios públicos como lienzo.

• Uso del espacio público: Se desarrollan en muros, trenes, calles y otros espacios urbanos accesibles.
• Carácter efímero: Muchas obras son eliminadas o alteradas con el tiempo.
• Mensajes políticos y sociales: Crítica a las estructuras de poder, denuncia de injusticias y reflexiones sobre la identidad urbana.
• Diversidad de técnicas: Aerosol, plantillas (stencil), pegatinas, murales y esculturas efímeras.

Interacción con el entorno: Se adapta al contexto urbano y transforma la percepción del espacio público.

• Autores: Bansky, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Shepard Fairey.

Pop Art y Neo Pop Art

Movimiento que toma elementos de la cultura de masas y los convierte en arte.

Pop Art: Aproximadamente desde mediados de la década de 1950 hasta finales de la década de 1960.

Neo Pop Art: Desde finales de la década de 1980 hasta la actualidad, aunque su apogeo se sitúa en la década de 1990.

Pop Art

• Iconografía de la cultura popular: Uso de imágenes de anuncios, cómics, objetos cotidianos, celebridades y medios de comunicación.
• Colores brillantes y saturados: Uso de colores llamativos y contrastantes para captar la atención y reflejar la estética de la publicidad y los medios de comunicación.
• Repetición y serialización: Repetición de imágenes y objetos para enfatizar la producción en masa y la homogeneización de la cultura.
• Ironía y sátira: Uso del humor y la ironía para cuestionar la sociedad de consumo, la cultura de masas y los valores tradicionales.
• Técnicas de producción en masa: Uso de técnicas como la serigrafía, la litografía y la reproducción mecánica para crear obras de arte en serie.
• Diversidad de estilos y técnicas: El Neo Pop Art se caracteriza por una mayor diversidad de estilos y técnicas, incluyendo la escultura, la instalación, la fotografía y el arte digital.

 Neo Pop Art

Junto a la apropiación de la cultura de masas, los colores vibrantes y estética llamativa y la influencia del arte comercial y el diseño gráfico, rasgos que comparte con el Pop Arte, en Neo Pop Art, aporta:

• Crítica o exaltación del consumismo: Algunas obras celebran la cultura pop, mientras que otras la cuestionan.
• Uso de tecnología y medios digitales: Integración del diseño digital, el videoarte y la animación en las obras.

• Autores: (Pop Art)  Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton, Claes Oldenburg | (Neo Pop Art) Jeff Koons, Takashi Murakami, Keith Haring, Yayoi Kusama.

Hiperrealismo

Movimiento figurativo que busca una representación extremadamente detallada, casi fotográfica.

• Precisión extrema: Los artistas buscan una representación minuciosa de la realidad, a menudo superando el nivel de detalle de la fotografía original.
• Uso de la fotografía como referencia: A diferencia del realismo tradicional, el hiperrealismo parte de imágenes fotográficas que luego son reproducidas.
• Ilusión de tridimensionalidad: Mediante el uso de luces, sombras y texturas.
• Representación de lo cotidiano: Los temas abarcan retratos, objetos comunes, paisajes urbanos y escenas de la vida diaria con un alto nivel de realismo.
• Enfatización en detalles invisibles: Muchas obras incluyen reflejos, imperfecciones de la piel, gotas de agua…

Autores: Antonio López, Jason Degraaf, Richard Estes, Don Eddy.

BLOQUE II: MOVIMIENTOS DE ARTE CONCEPTUAL

Arte Conceptual

El arte conceptual es un movimiento artístico que surge en la década de 1960 y que prioriza la idea o el concepto sobre la ejecución material de la obra, desafiando los límites tradicionales del arte. Se basa en la premisa de que el pensamiento artístico es más importante que el objeto físico, lo que a menudo lleva a la desmaterialización de la obra de arte.

• Primacía de la idea sobre la forma: La obra no se define por su apariencia, sino por su significado.
• Uso de múltiples medios: Se aleja de la pintura y la escultura tradicionales, utilizando textos, fotografías, acciones y objetos cotidianos.
• Cuestionamiento del arte: Reflexiona sobre el papel del artista, la institución y el mercado del arte.
• Interacción con el espectador: Muchas obras requieren la participación del público o dependen de su interpretación.
• Influencia del lenguaje y la semiótica: Se basa en juegos de palabras, significados y reinterpretaciones de objetos y símbolos.

Autores: Joseph Kosuth, Sol LeWitt, Lawrence Weiner.

Neoconceptualismo

Evolución del arte conceptual que incorpora nuevas tecnologías y enfoques críticos, especialmente en literatura y arte contemporáneo.

• Apropiación de obras de otros autores y la explotación de la mercantilización de la obra.
• Crítica social, anticapitalismo y anticomercialización del arte, a menudo abordada mediante las técnicas de apropiación e imitación.
• Apropiaron de elementos de la cultura visual para criticar tanto la sociedad como el mundo del arte dominado por los hombres. 
• Crítica posmoderna y en especial al conceto de diferenciación de género planteado por la crítica feminista. En consecuencia, varias artistas femeninas asociadas al neoconceptualismo utilizaron la apropiación, la imitación y la simulación con el ánimo de desafiar al objeto de arte autónomo y al culto (masculino) del artista.

Autores: Damien Hirst, Carlos Almonte, Bárbara Kruguer Alan Meller, Douglas Huebler, Robert Barry.

Arte de Acción (Happening y Performance)

Expresión artística basada en la acción y la interacción con el público, rompiendo con la obra estática.

• El arte como acción: La obra no es un objeto, sino un acto que sucede en un espacio y tiempo determinado.
• Interacción con el espectador: En muchas obras, el público es parte activa de la acción.
• Carácter efímero: No hay un producto artístico permanente; la obra solo existe mientras se realiza.
• Uso del cuerpo: El artista utiliza su propio cuerpo como medio de expresión.
• Crítica social y exploración personal: Muchas performances abordan temas de identidad, género, política y violencia.

Autores: Allan Kaprow, John Cage, Chris Burden, Marina Abramović.

BLOQUE III: MOVIMIENTOS DE ARTE SOBRE OTROS SOPORTES

Body Art

Movimiento que utiliza el cuerpo humano como medio de expresión artística, explorando su transformación y significado.

• Uso del cuerpo como medio de expresión artística.
  • Exploración de los límites físicos y psicológicos del cuerpo.
  • Incorporación del dolor, la sangre y otras sustancias corporales.
  • Documentación de las performances a través de fotografías y vídeos.
  • Carácter efímero de las obras.

Autores: Yves Klein, Ana Mendieta, Gina Page, Emma Hack .

Funk Art

Movimiento artístico estadounidense que reaccionó contra el expresionismo abstracto, incorporando humor, irreverencia y materiales inusuales.

• Uso de materiales encontrados y objetos desechados.
  • Estética grotesca, vulgar y kitsch.
  • Humor negro, ironía y sátira.
  • Rechazo de las convenciones artísticas tradicionales.

Autores: Wallace Berman, Bruce Conner, Roy De Forest, Robert Arneson.

Land Art

Corriente artística que interviene el paisaje natural, creando obras monumentales que dialogan con el entorno.

• Realización de obras de arte directamente en el paisaje natural.
  • Uso de materiales naturales.
  • Obras de gran escala y efímeras.
  • Interacción con el entorno.
  • Documentación fotográfica y videográfica de las obras.

Autores: Robert Smithson, Walter De Maria, Richard Long, Andy Goldsworthy.

Instalaciones Artísticas

Expresión artística tridimensional que transforma el espacio y permite la interacción del espectador.

• Carácter espacial: Las instalaciones se diseñan para un espacio específico, teniendo en cuenta sus características arquitectónicas y ambientales.
• Inmersión: Buscan involucrar al espectador, invitándolo a interactuar con la obra y a formar parte de ella.
• Multisensorialidad: Pueden combinar diferentes medios y lenguajes artísticos, como pintura, escultura, vídeo, sonido, luz y objetos encontrados.
• Temporalidad: Algunas instalaciones son efímeras, diseñadas para ser exhibidas durante un período determinado, mientras que otras son permanentes.
• Conceptualización: Priorizan la idea y el concepto sobre la estética formal, buscando generar una reflexión en el espectador.

Autores: Yayoi Kusama, Ilya Kabakov, Doris Salcedo, Christian Boltanski, Anish Kapoor.